Художник создаёт не картину, не графический рисунок, не скульптуру. Он выстраивает свой мир и выражает его в своей, присущей только ему, художественной Форме.
О выставке «ШТУРМ Центр авангарда»*
Виктор Левенгарц
В 2012 году в течение трёх месяцев в Von der Heydt-Museum (Фон дер Хайдт-Музеум) в немецком городе Вупперталь проходила выставка «ШТУРМ Центр авангарда». На ней были представлены произведения живописи, графики, скульптуры семидесяти пяти мастеров. Работы были привезены из музеев и из частных собраний Бельгии, Германии, Испании, Италии, Франции, США, Швейцарии. Впечатляет перечень художников, чьи картины можно было увидеть в залах: Август Маке и Франц Марк, Василий Кандинский и Марк Шагал, Анри Руссо и Робер Делоне, Наталья Гончарова и Михаил Ларионов, Оскар Кокошка и Эрнст Людвиг Кирхнер, Пауль Клее и Алексей Явленский, Лионел Файнингер и Георгий Якулов и другие, не менее известные. Произведения были созданы, в основном, в первой трети ХХ века. Также были показаны полотна художников, входивших в различные объединения и группы, в числе которых, «Мост» и «Синий всадник». Там можно было увидеть и скульптуры Александра Архипенко, Вильяма Вауэра и Отто Гутфройнда.
Выставка была посвящена столетию открывшейся в Берлине в 1912 году галереи «Штурм», сыгравшей большую роль не только в немецком, но и во всём европейском и американском искусстве. Экспонировались произведения разных течений живописи, существовавших в то время: футуризм, экспрессионизм, абстракционизм (в том числе геометрическая абстракция — Хенрик Берлеви «Механо-фактура», Лайош Кассак «Архитектурная композиция»), конструктивизм, исповедующих разную эстетику, разное понимание задач творчества. Всех мастеров объединило имя Герварта Вальдена (псевдоним Георгия Левина). Он был писателем и издателем, музыкантом и галеристом, театральным деятелем. В начале XX века в Берлине он начал издавать журнал «Der Sturm» («Штурм»), ставший центром пропаганды современных идей и взглядов на искусство. Первый номер появился 3 марта 1910 года с подзаголовком «Еженедельный журнал культуры и искусства». Журнал выходил регулярно до1932 года. В 1911 году Вальден придумал термин «экспрессионизм» и считал, что это течение в искусствевыражает то, что таится на дне человеческой души, и художники своими переживаниями хотят заразить зрителей. Его вторая жена Нелл Вальден (первая жена Вальдена — писательница Эльза Ласкер-Шюлер — автор псевдонима «Херальд Вальден») говорила: «Он любил Берлин, но не потому, что он там родился, а потому что Берлин был городом искусств».
Первая выставка в галерее «Штурм» стала импульсом для дальнейших выставок произведений художников авангарда. На ней, вошедшей в историю искусства, как «Первый немецкий осенний салон», Вальден познакомил публику с произведениями русских художников, среди которых выделяются имена Василия Кандинского, Марка Шагала, Натальи Гончаровой. Вместе с женой они стали коллекционировать уникальные произведения русского авангарда. Начиная с 1927 г. с Советским Союзом была связана его жизнь и судьба, оказавшейся трагической: в марте 1941 г. его арестовали по фиктивному надуманному мотиву — шпионаж в пользу Германии еще со времен первой мировой войны. Он умер в тюремном лазарете 31 октября 1941 г.
Сто лет назад была открыта галерея «Штурм». И в том же 1912 году в Москве был основан Музей изящных искусств имени императора Александра III при Императорском университете, ныне Музей изобразительных искусств имени А.С.Пушкина. Главными вдохновителями и организаторами этого начинания были профессор Московского университета Иван Цветаев и известный промышленник и меценат Юрий Нечаев-Мальцев. Такое совпадение по времени интересно, так как на выставке в Вуппертале посетители увидели работы многих русских художников.
Рассматривая картины на выставке, задумываешься над тем, как изменяется изобразительное искусство, как варьируются его идеи, задачи, философия, что в свою очередь — приводит к изменению средств: рисунка, линии, цвета, — того, что является нервом искусства. Он, как ток, передаёт зрителю мысль, эмоциональное состояние художника, следовательно, и содержание картины. Почему это происходит?У разных течений средства для достижения результата разные: у живописцев Возрождения — одни, у барбизонцев — другие, у импрессионистов — третьи, у авангарда — четвёртые, пятые, шестые… Время диктует переход от старого к новому. Возможно отсюда произошло в Германии и Австрии название стиля «модерн» — «Сецессион»(нем. Secession, от лат. Secessio — отделение, уход). Около 20 молодых австрийских художников во главе с Густавом Климтом объединились в Вене в группу под этим названием и провозгласили уход. Но уход куда? — В искусство, воплощение идей которого произошло в первой трети ХХ века.
Был ли это протест против искусства минувших времён? Да, был. Потому что его идеи, философия требовали новых средств выражения, они не могли быть отображены приёмами прошлых эпох, которыми трудно, если вообще возможно, передать новое видение, новое восприятие действительности, новое содержание. Это был другой взгляд на мир, и была нужна другая система координат. Ведь «не вливают вина молодого в мехи ветхие; а иначе прорываются мехи, и вино вытекает, и мехи пропадают, но вино молодое вливают в новые мехи, и сберегается и то, и другое» (Евангелие от Матфея).
И в то же время не был, ибо художники первой трети XX века, сбрасывая со сцены достижения своих предшественников, учились у них, при этом по-новому видели и воспринимали мир и проповедовали это новое видение. Подтверждение этому послужило то, что несколько позднее в Дюссельдорфе в «MUSEUMKunstpalast» (Музей Дворца искусств) состоялась выставка «Эль Греко и модерн». В проспекте к ней сказано, что эта тема уже сто лет как принята в искусствоведческой литературе. Там было показаны сорок произведений Эль Греко и сто полотен художников модерна. Среди которых были картины Делоне, Кокошки, Маке, Марка и других, чья живопись была представлена и на выставке в Вуппертале.
Эль Греко — художник, с творчества которого, можно считать, началось обновление искусства, начался отсчёт модернизма. И идея этой выставки была в том, что постоянно обновляющееся искусство опирается на своих предшественников. Значит, существует преемственность между старыми и новыми мастерами.
Представленные на выставке «ШТУРМ Центр авангарда» Маке и Марк придерживались мнения, что у каждого человека есть внутреннее и внешнее восприятие действительности, которые следует объединить посредством искусства. И высшая красота, которую человек может достигнуть, заключена в том, что все свои страсти, всё, что таится в душе, он преобразует в произведение искусства.
После второй поездки в Париж Марк начинает серьёзно изучать анатомию животных, чтобы наиболее полно воплотить своё видение природы в живописи. Этой теме посвящены многие его картины, в том числе «Сине-чёрная лиса», 1911 г., «Синие жеребята», 1913 г.
Он писал:
«Мои цели не лежат преимущественно в области анималистики… Я пытаюсь усилить свое ощущение органического ритма всех вещей, пытаюсь пантеистически прочувствовать дрожь и течение крови в природе, в деревьях, в животных, в воздухе».
В работах некоторых художников цвет существует как закрашенная часть холста, ограниченная контуром конкретных предметов. Позднее у ряда мастеров четкие границы этих предметов смываются, а сами они преобразуются в размытые пятна с различными тональными оттенками, где цвет приобретает самостоятельное звучание и является содержанием картины, переживанием художника. Это хорошо видно при сравнении картин Кандинского, созданных в 1901 («Светлый воздух») и в 1908 годы («Пейзаж с башней», Арабское кладбище»).
Живопись отражает темперамент мастера и часто зависит от того, как тот или иной художник наносит на холст мазок. Мазок — живое существо для художника, он перелаёт импульс, энергию, создавая на полотне живую поверхность. И с ним мастер импровизирует, компонует цветовые пятна, придает им формы, которые диктует его видение, его фантазия. Поиски цвета, его оттенков у живописцев — вопросы сугубо авторские, личные. Многие работы художников Кандинского, Явленского, Шагала, Станислава Кубицки, Иоганнеса Иттена, Арнольда Топпа, Рудольфа Бауэра, Сони Делоне-Терк, Робера Делонеи ряда других, созданные приблизительно в один и тот же период, иначе как звучание цвета не воспринимаешь. Это не что иное, как «Умозрение в красках», как назвал одну из своих работ о русской иконе философ князь Евгений Трубецкой.
На выставке была представлена картина Марка Шагала «Летящая повозка» (1913 г.). Стоящий на обочине дороги дом в красном, жёлтом, и белом тонах. Дверь открыта, ставни распахнуты. За домом только что оторвалась от земли и устремилась в небо, переливающееся всеми цветами радуги, повозка, которую везёт лошадь тёмно-зелёного цвета. Хозяин идёт с ведром. Хозяйка, нарисованная на тёмно-фиолетовом фоне, несёт то ли миску с молоком, то ли таз с собранными в огороде овощами. Весь хоровод поющих красок — воплощение радости в картине, наполненной пылающим, искрящимся, цветом. Эти краски, этот свет, эти цвета мира — не чтоиное, как отражение души художника.
«Цветной взгляд» на мир Шагал сохранял на протяжении всей творческой жизни. Именно это был путь, по которому он шёл. В автобиографической книге «Моя жизнь» он пишет:
«…люди, покинув обычные места, принимались ходить над землёй. Мои знакомые присаживались отдохнуть на кровли. Краски смешиваются, превращаются в вино, и оно пенится на моих холстах».
То же следует сказать и о рисунке в работах художников — линии, бегущей, непрерывной или, наоборот, разорванной, выражающей чувства и мысли мастера, может быть не больше, но и не меньше, чем цвет. Возможно, поэтому художник абстрагируется от реальных вещей и уходит в цвет, линию. Их сочетание на холсте вызывает различные ощущения: боль, радость или агрессию, если цветовое пятно ограничено жесткой формой, например, очертанием острых зубцов. В этом плане интересна картина итальянского художника — футуриста Луиджи Руссоло «Революция», созданная в 1911 году и хранящаяся в музее в Гааге (картина экспонировалась на второй выставке галереи «Штурм» в том же 1912 году). Ритм агрессивного красного треугольника, в который вписаны ряды революционеров в порыве, переходящего в жёсткие красные ломаные линии. В картине всё укрупнено, нет мелких деталей.
Искусство, отображает жизнь в гранитной или мраморной глыбе, на холсте. В результате чего рождаются и создаются художественный образ, художественное отображение реальности. Для этого мастер ищет цветовые оттенки, линии, различные формы и объёмы, то есть необходимые ему средства выражения. Это может находить или не находить отклик в сознании и в ощущении зрителя.
Холст — это пространство,в котором художник отображает свой мир, независимо от того что выходит из под его кисти: пейзаж, бытовая сценка, портрет, натюрморт или абстрактная импровизация.Картина возникает при взаимодействии двухмерной плоскости и руки мастера, возбужденной цветом и движением, — с одной стороны, и впечатлениями от многоликости жизни — с другой, и тем самым как бы организует выход из трехмерного пространства в двухмерное. Чувство поверхности и чувство движущихся красок определяют талант живописца. “Звучание цвета” в смысловом значении и эмоциональном восприятии это “Музыка цвета”, ибо искусства, более воздействующего на душевное состояние человека, чем музыка, не существует.
Около полотен абстрактной живописи зрители задерживались ненадолго. Происходит это потому, что люди живут в реальном мире и мыслят его категориями, и находятся в плену представлений, что живопись должна отражать только этот мир. Можно говорить об абстрактных полотнах, как о беспредметном искусстве. Но это не определит их суть, она более значима. В пространстве холста художник оперирует линией, цветом, формируя в сознании зрителя красочные образы.
Если сочетание красок в картине или сочетание масс, объёмов, элементов в скульптуре вызывает у зрителя какие-то образы, мысли, ассоциации, воспоминания это значит, что цель, которую поставил перед собой автор произведения, достигнута.
Художник создаёт не картину, не графический рисунок, не скульптуру. Он выстраивает свой мир и выражает его в своей, присущей только ему, художественной Форме.
___
*) Автор благодарен художнику из Санкт-Петербурга Михаилу Карасику за замечания и советы, высказанные в процессе работы над очерком.
